Livret Biopics

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Beyond Hollywood Biopics: New Approaches to Filming Lives Third International Conference of the Biography Society New York movie, Edward Hopper 17-18-19 MoVIES - Au-delà du Biopic hollywoodien, 2019 nouvelles approches des vies filmées October Troisième colloque international de la Biography Society Salle colloque II Colloque organisé par le LERMA, le CAER, l’IRASIA Bâtiment Multimédia en collaboration avec 3 LAM de l’université d’Angers et 29 avenue Schuman la Biography society avec le concours de l’IUF 1 Jean BAFFIE, Aix-Marseille Université Figures royales vs héros issus du peuple dans le cinéma thaïlandais Antoine CAPET, Professeur émérite Que veulent nous dire les « scènes inventées » du film Darkest Hour (Joe Wright, 2017) ? « Hayden White soutient que le cinéma est un autre médium d’écriture de l’histoire », indique l’appel à communications. Mais « l’écriture de l’histoire » telle que la conçoivent à juste titre les universitaires repose sur un respect scrupuleux des faits tels que la recherche permet de les approcher, voire souvent de les établir. Or, un « biopic » comme Darkest Hour – que toute la critique s’accorde à trouver excellent par ailleurs – ne respecte pas tous les faits bien connus de cette tranche de vie de Churchill, soit qu’il montre des événements qui ne se sont pas produits (et qui d’ailleurs n’auraient pas pu se produire), soit qu’il « téléscope » des épisodes qui ont eu lieu à un autre moment que celui qu’on nous donne à voir. Pourquoi ces libertés volontairement prises avec le déroulement des événements de la part du réalisateur  ? Joe Wright – qui souscrirait vraisemblablement aux thèses de Hayden White – a en fait tenté de justifier la présence de ces « scènes inventées » (« éléments fictionnels » si l’on préfère un vocabulaire plus positif) dans son film, avec des arguments qui ne sont ni méprisables ni négligeables et que la communication utilisera comme point de départ de la réflexion. Catherine CLINTON, University of Texas San Antonio Ladies Sing the Blues: Black Women’s Representations in Biopics During the closing decades of the 20th century, Hollywood began to respond to the demands for black representations onscreen. Looking for compelling subjects for “biopics,” the entertainment industry, perhaps following in the 19th century tradition of the tragic mulatto (“The Octoroon”), and Hollywood settled on portraits of exceptional, emblematic African American women. These amazing black performers climbed out of poverty to live in the limelight, triumphing over tremendous odds to achieve recognition for their considerable talents. The appearance of a film depicting the life and times of Billie Holiday—Lady Sings the Blues (1972)—earned its lead actress, Diana Ross, an Academy Award nomination. While she made a star turn in this, her first major role, her vivid portrait of Holiday’s difficult downward trajectory from headliner to heroin addict was riveting. It might have triggered a stampede on such themes, but instead it would be nearly twenty years, when a new crop of black actresses were able to engineer projects to feature important, but forgotten theatrical legends. Another equally rags to riches story engaged television audiences, with Lynn Whitfield’s depiction of the life and times of the international sensation, the Josephine Baker Story (1991). The tragic yet triumphant tale of Tina Turner emerges through the 1993 biopic, What’s Love Got to Do with It. Her relationship with Ike Turner is replete with abuse and harrowing violence. She is rescued from her decline by the intervention of white knights—and we see her rising like a phoenix from the ashes (the only living figure amongst the quartet). Dorothy Dandridge’s career was full of painful and corrosive racism. Halle Berry’s portrayal of this underrated singer-actress in the 1999 television biopic (Introducing Dorothy Dandridge) demonstrated her commitment to tackling social justice issues, as she stepped away from a successful film career to undertake this television project. Berry only took on one other television role (in the prestige production of Zora Neale Hurston’s Their Eyes Were Watching God). Berry won a Golden Globe award for her portrait of Dandridge and this 2 searing portrait revived interest in this forgotten star, who had been the first black actress nominated for an Academy Award (for her leading role in Carmen Jones). Colette COLLOMP, Aix-Marseille Université La vie de Saint François d’Assise au cinema Claudia CONTI, Aix-Marseille Université Sorelle Mai de Marco Bellocchio Sorelle Mai est un film réalisé par Marco Bellocchio avec les étudiants du laboratoire cinématographique « Farecinema » de Bobbio. Composé de six courts métrages, faisant partie de la même histoire, le film est présenté à la Mostra del Cinema di Venezia en 2010 et obtient en 2011 deux nominations au prix Nastri d’Argento et deux nominations au prix David di Donatello. Les six épisodes ont été filmés entre 1999 et 2008 à Bobbio, province de Plaisance, en Émilie-Romagne. Sorelle Mai est la suite de Sorelle, un moyen métrage produit en 2006. Le genre hybride de Sorelle Mai, entre film narratif et documentaire est dû à l’insertion alternée de fragments de réalité et de fiction. Certains éléments réels renvoient, non seulement à la biographie du réalisateur Marco Bellocchio, mais aussi et surtout à ceux, plus larges, de la famille Bellocchio. Ce mariage narratif entre fiction et réalité porte un nom : la non-fiction. La grande particularité du film Sorelle Mai se caractérise par la présence des membres de la famille du réalisateur comme acteurs. Nous retrouvons, sa fille Elena Bellocchio, son fils Pier Giorgio Bellocchio, son frère Alberto Bellocchio, ses deux sœurs Maria Luisa et Letizia Bellocchio et l’ami de famille Gianni Schicchi Gabrieli. Chacun de ces personnages manifestent l’intériorité de Marco Bellocchio. Il en va de même pour Bobbio, le village natal du réalisateur, et Val Trebbia, la vallée formée par la rivière Trebbia, que nous retrouvons régulièrement dans ses films. Ces paysages y jouent un rôle majeur et tel un peintre coloriste, Bellocchio dispose fictif et réel. Le film expérimente les limites cinématographiques : de l’exercice de l’atelier à l’œuvre. La personnalité du réalisateur émerge grâce à l’attachement profond à ses origines, à sa famille, mais aussi, et paradoxalement, à un rejet de ce que représente son village et son passé. Comme si l’auteur avait décidé de tout nous dire et d’identifier le spectateur dans cette situation ambigüe. Ainsi, il place Sorelle Mai « au-delà du Biopic hollywoodien ». Audrey DOUSSOT, Université Toulouse I Gilliam’s The Brothers Grimm – from writing mortals to legendary characters As suggested by its title, Terry Gilliam’s movie The Brothers Grimm is about the famous authors Jakob and Wilhelm Grimm – or rather about their incursion into the realm of fairy tales. A biographical movie in that it recounts portions of the brothers’ lives, The Brothers Grimm is also an adventure fantasy film that reimagines parts of its protagonists’ lives by favouring fictionalization over historical accuracy. Circumventing the expected but difficult representation of writers at work, the movie reinterprets instead these real historical figures in terms of their literary works. As their fates are turned into fairy tale plots, the Grimms are merged with their fiction and become its protagonists. By interweaving biographical data and fictional elements coming from the authors’ own stories, Gilliam’s movie challenges the conventional 3 notion of biopic. This paper will seek to demonstrate that this subjective and singular depiction of the two writers actually reflects a cultural tendency to blur the boundaries between reality and fiction as well as between modes of production of textual meanings. Drawing on Henry Jenkins’s “textual poaching”, the analysis will examine how The Brothers Grimm can be seen as a cinematic counterpart to the increasingly popular literary genre of “exofiction” and as symptomatic of a postmodern trend in storytelling that redefines the place of creator, interpretation and meaning-making in artistic discourse. David GOLDIE, Aix-Marseille Université Entering the ‘Shadowlands’, biopic as metonymic adaptation — As a key member of the group of Oxford scholars known as the Inklings, C. S. Lewis, along with J. R. R. Tolkien, is rightly considered one of the forefathers of modern fantasy literature and an important part of British cultural heritage. However, while Tolkien has managed to achieve a wide appeal nowadays with the general public, interest in C. S. Lewis sometimes appears more selective. This can be partly explained by the transparent allegory of his works such as The Narnia Chronicles and The Cosmic Trilogy which are based on his strongly-held views of Christian Apologetics. It is also due to his personal life which often appears somewhat strange to the casual observer and indeed begs questions unsatisfactorily answered by his authorised biographers, Roger Lancelyn Green and Walter Hooper. In Du fantastique en littérature : figures et figurations (1990) Max Duperray defined fantasy as a metonymic fictional mode where figures and forms are readily accepted as representations of discourse on the real world. ‘Shadowlands’ is a symbolic term introduced by Lewis in The Last Battle, the final book of The Narnia Chronicles. Based on Plato’s Allegory of the Cave, it indicates his philosophical approach to his narratives while also representing one of the tenets of his own religious beliefs. Through the word ‘Shadowlands’, Lewis seeks to describe the relation between the parallel universes his works portray and our own world while also commenting on the true nature of existence as he sees it. Taking Lewis’ own term as the title for his film in 1993, Sir Richard Attenborough attempts to get behind the public image of the man by focusing on a particular part of his life, that is, his marriage to Joyce Gresham in 1956 and the circumstances surrounding her subsequent death. By dramatising this in particular, Attenborough represents these emblematic events to describe the fundamental tensions and paradoxes at the heart of Lewis’ character. This contribution seeks to explore the idea of ‘metonymic adaptation’ in relation to biopics, asking if such relatively narrow focus on particular events can be seen as a valuable approach to counter criticisms of condensation and superficiality which often accompany cinematic representation of a real life. We will consider how this biopic seeks to embody Lewis through the portrayal of a single part of his life. Borrowing ideas from Linda Hutcheon’s A Theory of Adaptation (2006) we will analyse the methods of adaptation which are employed to reevaluate Lewis while aligning the film to the movement of ‘Heritage Film’ in Great Britain. This study will allow us to ask how far the film grants us a clearer insight into the fundamental complexity of Lewis’ character as he faces his own ‘Shadowlands’. Jean-Michel DURAFOUR, Aix-Marseille Université Je n’ai pas tué Marie Stuart Entre 1936 et 1939, John Ford signe les deux biographies filmées de sa carrière : sur Marie Stuart (Mary of Scotland), puis Abraham Lincoln (Young Mr. Lincoln). (J’exclus les films de fiction s’appuyant sur des personnages réels : My Darling Clementine, Fort Apache, The Prisoner of Shark Island.) Malgré la distance historique, géographique, politique, culturelle... entre ces deux figures, largement antipodales, je m’intéresserai à la manière dont les films — eux-mêmes très différents pour Ford  : le premier est désavoué (un remplacement au pied levé) — s’articulent entre eux d’une manière inattendue dans le corpus du cinéaste. Jean-Michel Durafour est philosophe et professeur des universités en esthétique et théorie du cinéma à l’université Aix-Marseille. Il a publié de nombreux articles et ouvrages, dont récemment : Cinéma et cristaux. Traité d’éconologie (Mimésis, 2018) et Nous resterons, pour vivre et mourir, parmi 4 les loups-garous (Rouge profond, 2019). Il travaille à une pensée du cinéma et des images au carrefour des théories de l’art, des sciences de la nature (biologie, écologie) et de l’anthropologie. Yannick GOUCHAN, Aix-Marseille Université Portraits de poètes dans le film biographique La contribution porte sur le cas spécifique de la vie des poètes au cinéma, une catégorie de biophotie (vie à l’image) relativement peu représentée – par rapport aux personnages historiques et aux artistes peintres, par exemple –, et assez peu étudiée jusqu’à présent par la critique, si ce n’est à travers des recensions à l’occasion de la sortie des films. Filmer de manière poétique, filmer poétiquement une vie et filmer la vie d’un poète constituent trois entités bien distinctes qui parfois peuvent se croiser, lorsqu’un réalisateur adapte l’existence d’un auteur. Dans un premier temps il est question de définir si le film biographique consacré à des poètes peut constituer un “sous-genre”, et les problèmes qu’il soulève au niveau de l’écriture cinématographique et biographique. Puis il s’agit d’analyser plus précisément, dans un corpus d’environ une dizaine de films de cinéma (le périmètre de la contribution ne permettra pas de prendre en examen les documentaires et les films pour la télévision) les choix qui aboutissent à une partialité (biographie partielle et partiale) dans l’adaptation d’une vie et d’une œuvre, notamment à travers le prisme multiple de l’image préexistante du poète, de son engagement, d’une histoire d’amour ponctuelle, du genre sexuel, de sa thanatographie et de sa réception. On traitera en particulier des films consacrés aux poètes Keats, Dickinson, Pasolini, Leopardi, Ginsberg, von Kleist, Neruda, Rimbaud. Enfin une réflexion est proposée sur la transposition et l’impact du discours poétique à l’écran, comme vecteur (indispensable ?) pour la constitution d’une biophotie spécifiquement consacrée au poète et à sa résonance (exemples de Sayat Nova, de Brodsky, et le cas particulier de Paterson, biophotie parfaitement fictive qui repose néanmoins sur certaines données authentiquement biographiques). En somme, la contribution cherche à comprendre ce que dit le film biographique sur une culture, une époque, un état de la condition humaine et de la création, particulièrement par le biais de la poésie et de l’existence d’un poète. Laura GUIDOBALDI, Aix-Marseille Université Dans l’alcôve du Risorgimento. Politique et séduction : l’incroyable destin de Virginia Oldoini, comtesse de Castiglione Virginia Oldoini, Comtesse de Castiglione (1837-1899), était considérée en Europe comme une des femmes les plus belles et séduisantes de son siècle. Cousine du Premier ministre piémontais Cavour, elle a joué, des années 1850 aux années 1870, un rôle important au sein des manœuvres diplomatiques et politiques du Risorgimento. Sa vie, tumultueuse, se prêtait particulièrement à des adaptations cinématographiques et autres formes d’élaborations biographiques. Nous axerons notre étude principalement sur deux biopics : une production cinématographique de 1954, La contessa di Castiglione, ainsi qu’une fiction télévisuelle homonyme en deux parties, datant de 2006. Nous nous référerons en outre à un documentaire historique diffusé à la télévision nationale italienne en 2015. Trois approches, donc, d’une mise en images de la vie et de l’implication historique d’une personnalité féminine controversée et hors-norme. Alain HERTAY, Université de Liège Larry Karaszewski et Scott Alexander, duo de scénaristes spécialisés dans l’écriture de biopics Scott Alexander et Larry Karaszewski sont un duo de scénaristes spécialisés dans l’écriture de biopics. Ils se font connaître en écrivant le biopic du réalisateur Ed Wood (Tim Burton, 1994) et enchaînent pour Miloš Forman avec Larry Flint (1996) et Man on the Moon (1999, sur l’humoriste Andy Kaufman), 5 ensuite Auto Focus sur l’acteur Bob Crane (Paul Schrader, 2001) et Big Eyes sur la peintre Margaret Keane (Tim Burton, 2014). Ils sont aujourd’hui reconnus comme étant à la base d’une modernisation significative du genre biopic (Bingham, 2010). À travers l’analyse de leur production, cette contribution se penche sur les apports au genre d’Alexander et Karaszewski. Ceux-ci ont déplacé les choix habituels de sujets « édifiants » vers des portraits d’artistes méconnus (Ed Wood, Margaret Keane) ou des figures « amorales » (Larry Flint, Bob Crane). Ils problématisent sous un jour neuf la représentation du héros de biopic, soulevant notamment des questions spécifiques de dramatisation et d’esthétisation : comment représenter des œuvres jugées médiocres (Ed Wood) ou contestées (Margaret Keane) ? Quelles sélections opérer dans les divers moments de vies scandaleuses (Flint, Crane) ? Pour étayer notre propos, nous nous pencherons sur les processus d’écriture et les jeux avec les conventions du genre des deux auteurs. Laurence HUSSON, Université de Liège Raden Ajeng Kartini : princesse, féministe, héroïne nationale indonésienne et star de cinéma La brève mais remarquable vie de Kartini (1879-1904), jeune aristocrate javanaise, dont le seul prénom est devenu le symbole de l’émancipation féminine par l’éducation en Indonésie, a inspiré deux biopics à 34 ans d’écart. Le premier, Raden Ajeng Kartini par Sjuman Djaya en 1983 et le second, Kartini par Hanung Bramantyo en 2017. La même Kartini, en 2016, a également inspiré un film de fiction à connotation historique à Azhar Kinoi Lubis avec Surat Cinta untuk Kartini (lettres d’amour à Kartini). Cette jeune femme remarquable, au destin exceptionnel et tragique puisqu’elle meurt en couche à l’âge de 25 ans en laissant derrière elle une œuvre littéraire sous forme de lettres, figure au panthéon des héros nationaux depuis 1964. Le jour de sa naissance, le 21 avril, fait l’objet d’une journée Kartini, durant laquelle sont organisées des célébrations en son honneur et durant lesquelles les femmes revêtent le costume national indonésien (sarong/kebaya, blouse brodée). Cette communication analysera les partis pris des deux metteurs en scène pour aborder à 34 ans d’écart les différents combats de Kartini au sein de sa famille (en matière de comportement, de respect de l’étiquette concernant le rôle des hommes et des femmes, en matière de rituels, de codes, de langage, de postures)  ; sa volonté d’apprendre, de lire, d’écrire, de communiquer avec le petit peuple comme avec des Européens) ; ses réflexions sur la religion et sur la polygamie, son dilemme entre son émancipation et son respect des traditions. Ces deux biopics montrent que la vie de Kartini et ses écrits sont encore d’une grande actualité pour les Indonésiennes d’aujourd’hui et pour les femmes en général, qu’elles soient activistes féministes ou non. Gerardo IANDOLI, Aix-Marseille Université Le spectacle obscur : sur Kings of Crime de Roberto Saviano Roberto Saviano, le célèbre écrivain de Gomorra, est devenu aujourd’hui une figure transmédiale : intellectuel, journaliste, écrivain, scénariste, opinioniste des réseaux sociaux et aussi animateur à la télé. Dans toutes ces productions, la présence de sa personne est prédominante : le spectateur regarde le monde à travers les yeux de Saviano. Dans mon intervention j’ai l’intention d’analyser une série de documentaires, Kings of Crime, conçue et animée par Saviano pour la chaîne italienne Nove. Dans chaque épisode, l’écrivain parle d’un célèbre boss de la criminalité organisée italienne ou internationale. Saviano mélange les genres de la télévision afin de représenter la vie de ces boss : il y a des vidéos de la police, régistrations de leçons sur le crime, tenues par Saviano lui-même, interviews aux magistrats, aux policiers, aux criminels et, parfois, au boss même. Le monde de la télévision propose un retour à l’oralité : Saviano est un ménestrel d’aujourd’hui qui « chante » les gestes des anti-héros. Ainsi, l’activité artistique de la na
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